Todo comenzó en una comida de verano cuando un amigo de mi padre afirmo inequívocamente lo siguiente “…uno tiene que leer de todo, porque no sabe con quien se va a sentar a la mesa…”. Termine el postre y me fui corriendo a buscar un libro que culposamente había escondido en el fondo de mi bolso de viaje.

Aquella frase había derrumbado un prejuicio. Esa noche descubrí un mundo.

Con el fondo del rumor del mar y de la luminosidad suave de una noche estrellada abrí una edición de bolsillo que comenzaba así “…Louis Creed, que se quedo sin padre a los tres años y no conoció a sus abuelos, no esperaba encontrar un padre a los treinta y tantos años, pero eso fue exactamente lo que ocurrió…”.

Su autor nació en Portland, Estado de Maine en 1947, y según lo que afirmo en un documental especial sobre su obra transmitido por la señal People  and Arts un par de años atrás, la mayoría de sus creaciones están ambientadas allí.

“Uno conoce bien uno o dos lugares a lo largo de su vida, por eso me gusta escribir sobre lo que creo conocer bien”, afirmo más o menos textualmente con seguridad y modestia.

Un público basto disfruto muchos de sus  cuentos y novelas adaptadas al cine o la televisión sin saber cual era su autor o guionista. Ignorancia que tenía su correlato, en especial en los aficionados a la lectura, en la no compra de sus obras en las librerías por tener un sitial destacado en la categoría de  Best Sellers.

Forme parte de ese elenco hasta hace unos años.

Es cierto que no toda literatura nos tiene que gustar, pero las inclinaciones propias no deberían desdeñar la calidad literaria de determinadas obras y autores.

Existe un fuerte arraigo en el mundo literario y académico de cierto desden por los autores que venden mucho. Opinión fundada, en varios casos acertadamente, en que mucha de esa literatura sigue ciertos moldes haciéndola muy esquemática y previsible.

Pero esa es otra historia.

A nuestro amigo, en el año 2003 se le otorgo uno de los máximos premios literarios de los Estados Unidos The National Book Foundation por su contribución a la literatura norteamericana.

Oraciones claras, descripciones cinematográficas, suspenso bien logrado, imaginación y una exploración de los miedos y las obsesiones del hombre medio constituyen la radiografía de sus buenas historias.

Este verano volví a leerlo luego de casi dos años. En este caso no fue una novela, sino una selección de cuentos que casualmente no se ambientan en Maine. Muchos de ellos se desarrollan en el Estado de la Florida donde el autor pasa parte del año. Quizá sea uno de esos dos lugares que dice conocer bien.

Uno de ellos titulado “Las cosas que dejaron atrás” me conmovió especialmente, porque relata un aspecto muy humano de lo que le ocurrió a gente común el fatídico 11 de septiembre en Nueva York.

El autor de Pet Sematary mostraba a sus lectores en Just after sunset, algo que había demostrado ya en Lisey `s  Story o en The Colorado Kid, que un gran escritor evita los encasillamientos y puede abordar con sencillez y maestría temas universales comunes a todos nosotros.

Amíguese con King, es un monarca muy popular

Por Vicente Grondona

Hay un fragmento en la inolvidable “Manhattan” de Woody Allen donde el protagonista (el mismo Woody) reflexiona sobre algunas razones por las que vale la pena vivir. Recuerdo  que nombra la Sinfonía 41 de Mozart (en particular, el segundo movimiento) y un tema de Louis Armstrong (“Potato Head Blues”). En esta nueva sección, presentaremos algunos discos que creemos deberían incluirse en aquella particular y caprichosa lista.

ABBEY LINCOLN

“A turtle´s dream”

Verve/Universal

A turtle´s dream (1994), de la gran Abbey Lincoln, es uno de esos discos que uno puede escuchar centenares de veces sin perder esa emoción original, cruda, honesta y llena de belleza para quien quiera oírla. Un verdadero objeto de deseo, el soundtrack de una vida.

La voz de Abbey Lincoln no es perfecta, ni prolija ni brillante. Pero es con seguridad  una de las voces más personales y emotivas del jazz de todos los tiempos. Muchos la comparan, y en eso no se equivocan, con la gran Billie Holiday. Hay una oscuridad, un misterio y una profundidad en esa voz, que perturba. Abbey Lincoln no considera la voz como un instrumento más, sino que indaga en el potencial emocional de cada canción, juega con las palabras y como el gran Polaco Goyeneche, también con el tempo y el ritmo. Su sensibilidad le permite administrar las palabras y las frases y entrelazarlas con la música con la capacidad de una verdadera artista. Nada en su música es obvio ni forzado.

Y en este increíble viaje emocional, Abbey está acompañada por músicos de la talla de Pat Metheny (guitarra) , Kenny Barron (piano) , Charlie Haden (bajo) Roy Hargrove (trompeta) , Rodney Kendrick (piano) y Julian Loreau (saxo), que suenan con una naturalidad y un sentimiento que sólo podemos escuchar en discos en vivo. Definitivamente, la música nada tiene que ver con pentagramas, corcheas y tonalidades.

Difícil marcar puntos altos en un disco de por sí brillante, pero con seguridad “Down here below” (con su tremenda melancolía y fuerza en un imaginario diálogo con Dios) y “Avec le temps” (donde Abbey más que cantar desnuda su alma en un francés sin ornamentos) son dos puntos destacados de un disco perfecto. Y es importante remarcar que además de intérprete, Abbey es una gran autora de canciones (entre las que se destacan en este disco “Throw it away”, “Should´ve been” y la gran “Down here below”).

Consigan este disco de la manera que sea (si es legal, mejor aún) y luego de escucharlo avísenme si no merece también estar en la lista propuesta por el gran Woody.

Junto a Jorge Velasco hablamos del proyecto Métrica y del concierto homenaje a Tom Jobim y Vinicius de Moraes del 26 de Marzo.

El sábado a la mañana compartimos junto a Félix Barone, José Fernández Quintela y Julio Lagos una hora de entrevista, bossa nova y algunos recuerdos. Comentamos por supuesto el homenaje a Tom Jobim y Vinicius de Moraes que está organizando la revista Métrica con Rogério Botter Maio+Ana Paula da Silva Cuarteto.

El 26 de Marzo a las 22 hs en Abbey Road, Av. Juan B. Justo 620. Entradas en venta en SIBELIUS (Güemes 3381), PUNTO SECRETO (Paseo Diagonal) y POLO NORTE (Av. Constitución 5843)-

Por Jorge Velasco

Cuando se escucha la frase “cantantes de jazz” las sinapsis de las formaciones más primitivas de nuestro cerebro se disparan con los nombres de la santísima trinidad: Ella Fitzgerald, Sara Vaughan y Billie Holiday. Este dossier plus de Métrica pretende a contramano del black power confirmado por la elección de Barak Obama, estimular otras neuronas que contienen, y si no es así, contendrán de hoy en más, aquellas cantantes blancas que, sobre todo en los ´40, ´50 y ´60 aportaron al gran songbook americano, no sólo sus magníficas voces sino también vidas a veces tan negras como las de las estrellas ya nombradas. Tormentosas relaciones sentimentales, enfermedades, drogas, cárcel y, a diferencia de sus colegas negras, una inserción inédita en radio, cine y televisión.

En esta humilde recopilación, seguramente alguien se me quedará en el olvido, como toda memoria que se precie pretende abarcar a las pioneras, dejando de lado cantantes blancas de jazz no americanas y a sus herederas de hoy día, probable objeto de otro dossier.

En esta edición de Métrica, por una cuestión de espacio, presentamos a las seis primeras cantantes:

1) Lee Wiley

Nacida en Fort Gibson, Oklahoma, el 9 de octubre de 1908, descendiente de la tribu cherokee por parte de su madre (casada con un misionero inglés), detalle que durante su paso por New York le valió los apodos de “Pocahontas” y “La princesa india”. Escapó de su hogar a los diecinueve años y empezó a cantar en las radios de Saint Louis y Chicago. En la ciudad de los vientos se convirtió en la protegida del conductor, violinista y arreglista Victor Young, que estaba inserto en el mundo de las grabaciones y de la radio. En los ´30 se instala en NY cantando con la orquesta de L. Reisman en el Central Park Casino y se convierte en una favorita de los programas de radio no sólo como cantante sino también como actriz dramática. Tan dramática como los incidentes de su vida: una ceguera temporal a raíz de una caída cabalgando y una tuberculosis que la lleva a retirarse a Arizona con su madre para recuperarse; luego, a Beverly Hills, California. Un año después retoma su carrera radiofónica en Los Ángeles y vuelve a NY donde aparece en la CBS y trabaja en los cafés más elegantes de la ciudad acompañada por el genial trompetista Bunny Berigan.

En 1939 graba un 78 rpm con ocho canciones de George Gershwin; el éxito la lleva a grabar una serie de discos con canciones de Cole Porter (1940), Rodgers y Hart (1940-1954), Harold Arlem (1943) e Irving Berlin (1951). Estos influyentes discos lanzan el concepto de songbook que tan maravillosas consecuencias va a generar a futuro. En 1943 se casa con el pianista Jesse Stacey con cuyo trío grabaría.

Sensual e inalcanzable, sofisticada y cálida, fue la primera cantante que grabó las canciones de la generación dorada de Broadway, que eran bastantes remisos a las versiones jazzistícas, pero con su encanto y su acento mezcla de Oklahoma con Park Avenue y la 52th, se ganó la admiración de los círculos blancos del jazz y los clubs de alta sociedad neoyorkina. Se convirtió en favorita de los hermanos Gershwin y fue aplaudida por el mismísimo Cole Porter.

En 1963 se realiza un biopic televisivo llamado “Something about Lee Wiley” personificada por la actriz Piper Laurie, con músico de la categoría de Benny Carter, Jack Sheldom y Buddy Collette, que tuvo difusión mundial.

Sus pocas grabaciones agregaron más sustancia al mito. Lee Wiley muere de cáncer de colon el 11 de diciembre de 1975.

Discografía:

The Complete Golden Years Studio Sessions: Manhattan Nights.

Caja de cuatro cds que reúne grabaciones entre 1931 y 1951, acompañada por músico de la talla del ya mencionado Berigan, los hermanos Dorsey, Glenn Miller, Benny Goodman, Fats Waler y muchos más.

2) Peggy Lee

Seguimos con esta cantante porque es la representante más destacada de la influencia de Lee Wiley.

Nacida como Norma Dolores Egstrom, el 26 de mayo de 1920 en Jamestown, un pueblo rural en North Dakota; hija de Marvin, un agente de estación de ferrocarril y de Selma Anderson. Fue criada por una madrastra abusiva. Siempre soñó con escapar a Hollywood y comenzó a probar suerte como cantante cerca de su casa en una estación de radio en Fargo, cuyo director de programación la rebautizó Peggy Lee. Gira por varias ciudades hasta que cantando en el Buttery Room de Chicago se produce el milagro: a sus veintiún años la escucha nada menos que Benny Goodman quien le ofrece el puesto dejado por Helen Forrest e inicia una gira por Estados Unidos que la lleva a una temprana fama grabando el primero de tantos hits de su carrera: “Why don`t you do right”, el 27 de julio de 1942, y vende más de un millón de copias.

En 1943 se casa con el guitarrista de Goodman, Dave Barbour, el primero de sus cuatro matrimonios terminados en sendos divorcios.

Lee comienza su larga asociación con el sello de Capitol Records en 1944 (dura hasta 1972) con un período en Decca entre en 1952-57. Despliega su veta de autora de canciones conjuntamente con su marido Dave, creando grandes éxitos como “It`s a good day” y “Mañana”, que llegan a la cifra de de más de dos millones de copias vendidas. Comienza su relación con el cine y es la autora del tema musical de “Johnny Guitar”, film de 1954 dirigido por Nicholas Ray y protagonizado por Joan Crawford. En 1955 pone su voz y sus canciones para el clásico de Walt Disney “Lady and the Tramp”, y en ese mismo año llega a la nominación al Oscar como mejor actriz de reparto con su interpretación de una alcohólica cantante de blues en el film “Pete Kelly`s Blues” (“La taberna del mal”) dirigida por Jack Webb. Luego, en los ´60, su grabación de “Fever”, el mayor éxito de su carrera, hace que sea considerada el equivalente femenino de la superestrella Frank Sinatra, tanto por su popularidad como por su prolífica producción discográfica. Siempre fue una auténtica profesional: en la meticulosa elección de su repertorio, en la exacta precisión de sus presentaciones y en el particular cuidado de su imagen, superando las vicisitudes de su vida afectiva y su salud. Sufrió de diabetes y de recurrentes neumonías que la llevaron a ir de club en club con un tubo de oxígeno; al igual que su predecesora Lee Wiley, una caída la dejó temporalmente ciega.

Hoy es recordada y apreciada por las nuevas cantantes. ¿Un ejemplo? k.d.Lang.

Muere a los ochenta y un años de un ataque cardíaco, el 21 de enero de 2006 en su casa de Bel Air, California.

Discografía:

1- Peggy Lee-Benny Goodman, The Complete Recordings

2- The very best of Peggy Lee.

3) Anita O`Day

Sin duda una de las más grandes cantantes de jazz, a secas. En el paraíso de los músicos se ha formado un cuarteto celestial: Ella, Sarah, Billie y Anita.

Nació como Anita Belle Colton, el 18 de diciembre de 1919 en Chicago, Illinois (otros ubican su nacimiento el 18 de octubre de 1919 en Kansas City, Missouri). De todos modos se cría en la pobreza en Chicago y sobrevive a los años de la depresión actuando en las populares maratones de baile maravillosamente descriptas por Horace McCoy en “¿Acaso no matan a los caballos?” y que servían de válvula de escape a la mayoría de los norteamericanos llevados a la miseria por el crack de Wall Street (¿quién estará cantado en estos días?). Fue en ese tiempo en el que adoptó su nombre artístico, ella misma confiesa que su elección tuvo que ver con que en el argot O`Day significa guita, que era lo que ella quería obtener.

Y aquí las historias vuelven a cruzarse, es rechazada por Benny Goodman que prefiere a Peggy Lee, así que en ese mismo año de 1941 se une a la orquesta de Gene Krupa que contaba con el gran trompetista y cantante Roy Eldridge, que sorprende al público y crítica a través de la química que logra con Anita, coprotagonizando con “Left me off uptown” uno de los primeros duetos interraciales de la historia. Ese mismo año la revista Down Beat la nomina “Nueva estrella del año” y el año siguiente la coloca en el top five de las cantantes de Big Bands.

En 1943 se casa y deja la banda de Krupa ya que éste va preso por posesión de drogas. Se muda a California y recala en la orquesta de Stan Kenton donde vuelve a relumbrar. En 1945 retorna a la banda de Krupa que contaba entre otros con el maravilloso pianista Dodo Marmarosa y el clarinetista Buddy De Franco. En los 50 comienza su carrera como solista y firma para el nuevo sello de jazz Verve, bajo la producción de Norman Granz, allí graba estupendos discos.

Mientras tanto, la vida de Anita era un huracán incontrolable de drogas, alcohol, matrimonios, abortos y divorcios. Estuvo presa en 1947 y en 1952, cuando su adicción a la heroína casi le cuesta la vida; realizó un tratamiento de rehabilitación en los ´60, gracias al cual pudo continuar con su carrera, por la que nadie daba un centavo. De hecho, siguió cantando hasta los ochenta y seis años (drama con final feliz, a diferencia de Billie). Muere el 23 de noviembre de 2005, en Los Ángeles, a raíz de una neumonía.

Dejo a Anita con una imagen: la de su vestido acampanado y su capelina en el Festival de Jazz de Newport de 1958, preservada en el famoso documental “Jazz en una noche de verano”.

Sin el rango de voz de Sarah, ni el scat inimitable de Ella, ni la intensidad emocional de Billie, su contagioso sentido del swing la coloca entre las grandes.

Discografía:

1- Anita O´Day with Gene Krupa

2- Anita swings Cole Porter.